Contribution par Mark Wethli / Dessin technique – le type que nous voyons dans les plans, les élévations et les perspectives orthogonales – n’est pas le choix évident pour explorer les sentiments d’isolement, de tristesse ou de perte. Depuis plus d’un siècle, le geste pictural a été le principal signifiant de ces émotions, tandis que la rédaction a été la province du concepteur et de l’ingénieur. Compte tenu de cette disparité, Tom Butler choix de ce médium, dans son émission «Je suis devenu une pièce» à la Sarah Bouchard Gallery À Woolwich, dans le Maine, est surprenant; Pas pour lui-même mais le résultat d’un processus créatif qui transforme l’art du dessin technique de manière inattendue et significative. En utilisant des crayons à dessin rouge, plutôt que du graphite ou de l’encre, Butler crée des lignes et des motifs aussi distincts qu’une carte d’appel du XIXe siècle encore aussi optimiste qu’un tatouage frais. Cette nuance subliminale s’exprime dans la délicatesse du toucher de Butler et le décorum de sa technique. Des changements occasionnels dans la ligne de la ligne rappellent les lignes disciplinées mais sensuelles dans un Hans Bellmer Dessin, introduisant un érotisme implicite dans les lignes elles-mêmes.
Le titre de l’émission pousse ces notions au-delà de l’expression personnelle dans la métaphysique. Créés dans sa maison à Portland, dans le Maine au cours des deux premières années de la pandémie, les 80 dessins du spectacle (sur plus de 400 en tout) reflètent à la fois les espaces intérieurs contraignants du verrouillage et la durée intérieure intensifiée offerte par la quarantaine. Au milieu de cette épreuve – que nous avons tous vécu de première main, mais chacune à notre manière – Butler affirmait également la baisse de la santé et la mort éventuelle de son père, un océan dans le district de Chiswick de Londres. Les dessins ont donc également une qualité élégiaque. Nous voyons des vues de perspective étrange sur les pièces se séparant, mais doucement, comme dans un rêve, ponctués de compartiments secrets, de vues coupées et de structures énigmatiques qui révèlent parfois des figures partiellement cachées. Les absences fantomatiques et en forme de nuage apparaissent également. Le fait que les dessins de ce type soient généralement utilisés pour aider à construire un espace plutôt que de démonter un amplifie leur effet troublant.
Alfred Hitchcock dit que s’il devait filmer le naufrage du Titanesqueil ne commencerait pas par l’eau qui éclate à travers les cloisons ou la ruée vers des canots de sauvetage, mais à la place quatre membres d’équipage sous le pont, jouant tranquillement aux cartes. Ensuite, il montrait que le niveau d’eau dans leurs verres basculait progressivement à un angle plus raide, même si l’orientation de la pièce est restée au niveau du cadre (la même astuce qui a permis Fred Astaire pour danser sur les murs et le plafond). Les tragédies infiltrent nos vies de manière comparable. La meilleure partie de notre routine quotidienne reste familière et constante même en tant que signes périlleux de dysfonctionnement et de l’effondrement de nous plus lentement, encouragés par notre croyance persistante mais non fondée dans un monde immuable et notre propension au déni.
De la même manière, les dessins de Butler illuminent une zone crépusculaire émotionnelle – une version éveillée du sommeil hypno -ogogique – où nos pensées et nos sentiments se précipitent pour suivre le rythme des circonstances changeantes qui nous entourent. Cela ne veut pas suggérer que Butler est du tout involontaire ou naïf sur son processus ou ses implications. La création de 400 dessins avec précision en seulement deux ans (ce que Freud appellerait «une fécondité obscène») laisse entendre un processus tête baissier dans lequel l’élan du travail et de la production physique a empêché la réflexion. Ce type d’approche – garder la tête baissée et plonger vers l’avant – est le moyen le plus efficace de canaliser les voix intérieures et les signaux culturels trop faibles ou incompensés pour capturer des moyens plus délibérés mais inhibés. Les dessins de Butler sont un exemple fascinant de ce processus.
Comme pour prouver leur crédibilité, l’un des dessins est utilisé pour créer une structure tridimensionnelle, sept pieds de haut et construite pour planifier. Dimensionnellement précis, il comprend tous les détails et caractéristiques représentés dans le dessin. Un peu comme les «folies» du XVIIIe et du XIXe siècle, particulièrement populaires en Angleterre, l’idée de quelque chose qui est construit pour se ressembler à Decay a à la fois une dimension romantique et une dimension surréaliste. Si un dessin prend racine dans l’imagination du spectateur, nous exhortant à remplir les blancs quant à l’échelle, aux matériaux, à la texture, etc., la version littérale est plus prosaïque et sans équivoque. La descente du Platonic au monde réel est un peu comme rencontrer un héros d’action préféré en tant qu’acteur costumé chez Comic-Con: excitant mais désorientant à la fois. La structure sert de sorte de stand à changer dans lequel chaque spectateur est entouré de dessins en noir et blanc encadré supplémentaires (pas rougeâtre, faisant allusion que nous sommes dans une autre dimension) et de petites autoportraits photographiques en noir et blanc. Les seules notes de couleur sont des morceaux de paperasse bien coupés qui maintiennent les photos sans cadre en place, suggérant une sorte de déplacement du rouge dominant des dessins de la galerie.
Rappelant Francesca Woodman ou Egon SchieleLes photos de Butler ont jeté l’artiste en silhouette, son dos à nous ou à la concentration, dans des poses exagérées suggérant l’aliénation ou les troubles intérieurs. Quelques vignettes, dessinées sur les murs intérieurs comme le graffiti, l’identité supplémentaire de Mark Butler en tant que tagueur dans son propre spectacle. Comme un confessionnal, cet espace incarne un montage précognitif de souvenirs, d’idées, d’anxiétés et d’identités changeantes, nous donnant un aperçu de la matière première derrière l’œuvre. Revenant dans le royaume rareté et platonique de la galerie, ces instances reviennent aux essences.
La galerie n’est pas un grand espace, mais grâce à un cadrage et à une installation très prudents, les 80 dessins, accrochés dans des grilles diverses proportionnées, donnent l’impression que la pièce Dia balise – spacieux, élégant, lumineux et accueillant, avec une grande place pour exercer à la fois l’œil et l’esprit. Comme d’autres expositions de majordome que j’ai vues, celle-ci est une expérience de pensée esthétiquement enrichissante, composée d’éléments disparates, qui génère un sentiment de contemplation réparateur alors que les images elles-mêmes révèlent un monde incertain dans le processus de glissement.
« Tom Butler: Je suis devenu une pièce », « Sarah Bouchard Gallery, 13 Nequasset Pines Road, Woolwich, ME. Jusqu’au 21 septembre 2025.
À propos de l’auteur: Mark Wethli est peintre, écrivain et professeur d’art émérite d’A. Leroy Greason au Bowdoin College.