Contribué par Jason Andrew / Hedda Sterne était la seule femme rendue célèbre par Photographie de Nina Leen Les Irascibles pour Vie magazine en 1951, et le dernier membre survivant du groupe lorsqu’elle est décédée à 100 ans en 2011. Alors que bon nombre des personnes figurant sur cette photographie emblématique ont atteint un statut mythique, Sterne a été reléguée aux marges de l’histoire de l’art. «Je suis plus connue pour cette foutue photo que pour 80 ans de travail», a-t-elle un jour fait remarquer. Invraisemblablement inventive et peu disposée à adhérer à un style unique ni à adopter les tendances esthétiques dominantes, Sterne ne s’est pas jetée dans le moule héroïque privilégié par les garçons maussades associés à Expressionnisme abstrait.
Ces dernières années, le travail de Sterne a émergé des réserves des musées à travers le pays, la présentant à juste titre comme une figure majeure de l’histoire de l’art américain. Ses tableaux, exposés à « Paysages de rêve » à la galerie Van Doren Waxterscintillent avec une lumière changeante et une suggestion éphémère. De plus, ils révèlent un processus et un style en constante évolution. Sterne semblait désireux de chercher l’inspiration plutôt que de succomber à la monotonie de la répétition.
Les œuvres de la série « Vertical Horizontal » de Sterne donnent le ton. Comme ce titre l’indique, ces peintures jouent avec la tension entre la hauteur verticale de la toile et les bandes horizontales de couleur. Dans une interview inédite avec Joseph Helfenstein en 2002, Sterne a expliqué qu’elle avait parcouru les 50 États et peint « de grandes autoroutes » et « de nombreuses routes », qui « sont devenues des distances imaginaires encore plus grandes ». Son ambition était « de donner une impression d’espace infini sur une surface verticale. Ce n’était pas vraiment un horizon, c’était une impression d’espace infini ».
Le concept d’espace infini est au cœur de l’exposition. Dans chaque œuvre variée, des lignes diaphanes, des gestes linéaires mesurés et des formes murmurées évoluent à partir d’un espace onirique poussiéreux et vide. La couleur semble cuite au soleil ou sablée. C’est comme si ce qui est visible était devenu translucide et que le poids corporel avait cédé la place à une présence spectrale qui ressemble moins à un objet peint qu’à un souffle qui passe. Plutôt que des déclarations mégaphoniques, Sterne propose des teintes sourdes qui se réfractent sur la surface, créant de subtils changements de ton et de profondeur. Comme dans une pièce sans titre de 1983, les marques horizontales s’inclinent et s’inclinent dans des plans prismatiques vifs. La couleur pour Sterne plane, se croise et se dissout.
Line faisait partie intégrante du travail de Sterne et elle a travaillé pour cela. Le plus grand tableau de l’exposition – un tableau sans titre datant de 1985 – fait preuve d’une retenue prismatique et d’une discipline structurelle extraordinaires. Bien qu’inspirée par l’architecture urbaine – cadres linéaires, formes d’échafaudages et intervalles en forme de grille – elle évite sa représentation littérale. Au lieu de cela, elle établit une architecture de perspectives basée sur la disposition physique de la toile, transformée en une armature poétique semblable à une cathédrale. L’espace est construit, déstabilisé et réinventé.
Soulignant sa résistance à un style figé, l’exposition présente une délicate série de peintures intitulée « Signes ». Rarement exposées et uniques dans l’œuvre à dominante gestuelle et graphique de Sterne, elles s’appuient sur l’espace métaphysique établi par la série « Vertical Horizontal ». Comme une calligraphie élégante, de minuscules marques sont dispersées sur la surface. Chacun semble projeter une ombre qui le rend totémique et, au-delà, anthropomorphe, comme une foule de fêtards qui se rassemblent ou se dispersent. « Avec le temps, j’ai appris à perdre mon identité en dessinant et à agir simplement comme un intermédiaire, permettant aux visions qui veulent prendre forme de le faire », a déclaré Sterne en 2006.
Sterne a longtemps été associé à l’expressionnisme abstrait. Pourtant, en privilégiant constamment les idées sur les gestes et en traitant la peinture comme une enquête sur la perception, il n’est pas difficile de la considérer comme une ancêtre de l’art conceptuel. Ses notes retenues, ses enquêtes en série et son rejet de la bravoure expressive positionnent ses peintures moins comme des affirmations héroïques que comme une exploration soutenue de la vision, du sens et du processus.
« Hedda Sterne : paysages de rêve », Van Doren Waxter, 23 Ouest 73rd Street, galerie du 2e étage, New York, NY. Jusqu’au 23 janvier 2026.
À propos de l’auteur : Jason Andrew est un conservateur et écrivain indépendant basé à Cypress Hills, Brooklyn. Suivez-le sur Instagram : @jandrewarts