Recherchez la structure sous-jacente pour apporter de l’énergie et de l’esprit à vos dessins de vie.
Par Juliette Aristide
Il n’y a pas deux corps identiques, et pourtant nous faisons tous partie d’un cosmos ordonné qui suit des modèles cachés. Grâce à l’étude de l’anatomie, les portraitistes et les artistes apprennent que tous les squelettes suivent un canon de proportions approximatif, quel que soit leur sexe, leur race ou leur taille.
Pour commencer à dessiner une figure à partir d’un modèle vivant, je recherche d’abord la structure sous-jacente de la pose, puis je construis une finition raffinée. Le défi est de transmettre un sentiment de vie. Il est possible de tout mesurer correctement, et la pièce finie semblera toujours fausse. Si vous ne ressentez rien en regardant un portrait ou une figurine, c’est que l’artiste n’a pas fait son travail.
Capturer à la fois la précision et le mouvement est ce qui rend un dessin de figure mémorable. Pour cela, ma démarche est de commencer par le geste et de terminer par la forme.
ÉTAPE 1 : Commencez par un geste
Je garde mes marques initiales douces et légères afin qu’elles puissent être facilement effacées ultérieurement, et je fais attention à ne pas endommager le papier avec des lignes dures qui s’assombrissent rapidement et sont difficiles à effacer. Je prends aussi mon temps pour trouver le geste. Dans ce cas, j’ai recherché la grande forme d’œuf de la pose pour capturer le mouvement. Cependant, toutes les poses ne correspondent pas à une forme serrée ; certains peuvent nécessiter des lignes ou des courbes pour capturer le mouvement.
ÉTAPE 2 : Travailler du grand au petit
Je dessine du général au spécifique, ce qui signifie que je commence par les masses les plus grandes et que je ne passe pas aux formes plus petites jusqu’à ce que les formes initiales me paraissent correctes. Une fois que la pose plus large me convient, je passe à des incréments en ligne droite, à la recherche de directions d’angle plus petites. Je fais attention à ce que les pointes et les inclinaisons des angles soient correctes. Remarquez comment les lignes droites de cette pièce créent de l’emphase et de la force.
ÉTAPE 3 : Regroupez les lumières et les ombres
Je relie mes ombres entre elles, permettant ainsi de supprimer les lignes et divisions inutiles afin que les lumières et les ombres se simplifient en masses plus grandes. Certains artistes appellent cette étape la cartographie des valeurs car elle crée un motif plat de lumière et d’obscurité, un peu comme la division entre la terre et la mer sur un horizon. À ce stade, je vérifie si mes formes semblent correctes, puis je fais des ajustements mineurs pour plus de précision. Remarquez combien de mes lignes sont encore droites ici.
ÉTAPE 4 : Trouvez les petits avions
Au moment où j’atteins le milieu du dessin, je m’attends à ce que mes formes globales soient correctes. C’est également le moment idéal pour réfléchir à la composition des valeurs. Au fur et à mesure que la pièce progresse, je détermine où se trouvent mes lumières les plus brillantes et mes ombres les plus sombres. À ce stade, certaines zones sont subordonnées à un ton clair pour refléter la gradation de la lumière. Cela se voit dans le ton clair que j’ai placé sur la cuisse du personnage.
DERNIÈRE ÉTAPE : Localisez les sous-formulaires
Pouvez-vous encore voir mon geste initial en forme d’œuf juste sous la surface finie ? Pouvez-vous sentir la rectitude des lignes de l’étape 2 ? j’ai complété Katie à travers de subtiles gradations de tons, passant de l’obscurité de l’ombre à la lumière. Pendant tout ce temps, j’ai pris soin de ne pas briser l’unité de mes formes sombres et claires. La fin du dessin implique un rendu minutieux et précis des sous-formes, en s’occupant de ces minuscules zones de demi-teintes qui font la transition entre l’obscurité et la lumière.
À propos de l’artiste
Juliette Aristide est un artiste et auteur basé à Seattle qui a fondé et dirige l’Atelier classique de l’Académie des beaux-arts de Seattle et a été l’un des membres originaux du Water Street Atelier. Elle expose dans des expositions individuelles et collectives à l’échelle nationale et a écrit plusieurs livres sur le dessin et la peinture, notamment Classical Drawing Atelier et Classical Painting Atelier.