Contribué par Laurie Heller Marcus / La peinture sur la sculpture peut perturber nos habitudes de regard spatiales et stimulantes que nous apportons à l’interprétation de la forme. Tribu Lee joue avec eux de diverses manières dans son émission actuelle « Attraper le soleil » chez Victoria Munroe Fine Art. En tant que sculpteur, il a joué le jeu du long terme. Formé très jeune comme soudeur dans les chantiers navals de son Angleterre natale, Tribe a ensuite étudié à Collège d’art de Saint-Martin avec Antoine Caro et William Tuckerun ami et mentor de longue date. Après avoir déménagé aux États-Unis, il s’immerge dans la peinture et remarque comment les marques déplacent le spectateur à travers la composition d’une image. Il a également étudié l’art africain et le travail de David Smith, Picasso et Julio González. Tribe a perfectionné son art dans une tradition formaliste et a étendu cette lignée dans des directions surprenantes. Son travail gagne en rigueur grâce à un ensemble de tensions – densité et légèreté, poids et apesanteur, structure formelle et suggestion narrative, spatialité frontale de la peinture versus engagement total de la sculpture dans la ronde-bosse. Il aborde l’espace comme le ferait un sculpteur – à travers l’orientation frontale, la dominance de la ligne et le récit basé sur la scène – et la couleur comme le ferait un peintre.
En entrant dans la galerie, mon regard fut immédiatement attiré par Inscrivez-vous au-dessus de la ligne. Cette petite sculpture remarquable a une présence musclée. L’acier procède avec la fluidité de la calligraphie, en partie signature, en partie graffiti. La peinture articule la forme de plusieurs manières. Il définit des plans, comme dans la partie supérieure jaune du cylindre ; il distingue les éléments – la sphère jaune – du tout ; et cela remet en question notre compréhension de la forme avec des rayures et des cercles. La couleur nous guide à travers la pièce, comme des lignes jaunes sur une autoroute. Cela nous parvient à différentes vitesses de perception. En peinture, la couleur peut être utilisée comme un dispositif illusionniste, mais la sculpture existe déjà dans un espace non illusoire. Avec la couleur, Tribu implique la distance ; avec la forme, il la crée. Alors que l’espace littéral régit le proche et le lointain, Tribe accentue ces paramètres avec des couleurs qui semblent plus proches ou plus lointaines. La tension entre les deux manières d’appréhender l’espace produit une sorte de friction joyeuse : un point plat jaune se cache en bas tandis qu’une sphère jaune préside triomphalement du haut.
La majeure partie de l’exposition se compose de sculptures lyriques qui forment un arc narratif lâche à partir des souvenirs d’enfance de Tribe lors de vacances en famille sur l’estuaire de la Tamise et sur la côte de l’Essex. Il rend le plaisir d’être un corps dans l’espace avec une fluidité de ligne paradoxalement créée dans le matériau le plus rigide : l’acier. Ses pièces représentent des scènes tout en utilisant la profondeur pour fusionner des formes abstraites et narratives. Comme celui de David Smith Paysage de la rivière Hudsonun récit dynamique de lignes et de volumes basé sur son trajet en train le long de la rivière Hudson, les sculptures de Tribe synthétisent la mémoire en formes à la fois personnelles et universelles. Et, comme Celui de Thomas Nozkowski peintures abstraites, ils présentent une iconographie personnelle finement réglée, mystérieuse mais accessible.
Dans sa déclaration, Tribe décrit les souvenirs qui ont engendré son penchant pour la couleur : « un monde peint à la main de couleurs vives, criardes, excitantes et parfois magnifiquement harmonieuses qui chatouillaient, peaufinaient et taquinaient les sens. » Le motif à rayures rappelle le frisson qu’un enfant peut ressentir à la vue de transats aux motifs brillants tout en faisant un clin d’œil à la peinture non figurative : « Les mamans louaient des transats aux rayures vives tout en gardant un œil vigilant sur les enfants qui éclaboussaient et plongeaient, jouant dans les vagues. »
Tribe a audacieusement retranscrit un tableau – celui de Matisse La leçon de piano – en acier. Comme les œuvres précédentes, cette pièce sonde les frontières entre les catégories. Enfant, j’ai passé de nombreuses heures à me perdre dans ce tableau, à savourer son illusion et à imaginer l’espace comme s’il était ma propre invention. Il y a un plaisir particulier à entrer dans une telle illusion, une sorte de complicité avec l’artiste. Rencontrer les éléments de la peinture de Matisse dans l’espace réel était passionnant, comme entendre une chanson chérie interprétée par une nouvelle voix intrigante.
Une leçon importante que j’ai tirée de l’étude de la peinture était de créer un espace ambigu et non ambivalent. Il est particulièrement fascinant de voir où les décisions spatiales de Tribe s’alignent sur le tableau et où elles divergent. De nombreuses correspondances sont évidentes : le piano, l’enfant, la fenêtre et les objets de surface. Mais Tribe invente aussi une nouvelle logique spatiale. Le petit personnage de gauche – diminutif dans le tableau – semble ici encore plus petit. Dans l’espace réel, la proximité l’agrandirait, mais Tribe renverse cette attente. Il suspend la figure maternelle derrière la tête élargie de l’enfant à un échafaudage inventé. Le losange vert – peut-être dans le tableau une parcelle d’herbe – est devenu un triangle prolongeant la sculpture. Matisse est confiné par les bords de la toile ; La tribu ne l’est pas. Alors pourquoi ne devrait-il pas le laisser s’étendre ? Pourtant, il construit une version tridimensionnelle d’un tableau emblématique, et la puissance de son œuvre dépend en partie de la mémoire du spectateur de La leçon de piano et sur le fossé ambigu – mais jamais ambivalent – qui se dessine entre les deux.
Les quatre œuvres monumentales denses de la taille d’une paume fonctionnent selon un mode sculptural plus traditionnel. Rumba-ba semble plus grand que nature et incroyablement compact. Malgré sa forme condensée, il semble comprimer et propulser l’espace vers le haut. J’ai senti un mouvement diagonal vers le ciel et je me suis souvenu de la façon dont Tiepolo organise et intensifie l’espace dans ses compositions ascendantes. Ces œuvres parlent intimement, établissant une relation personnelle avec le spectateur. Ils partagent des sensations tirées de la mémoire de Tribe et créent doucement, mais avec exubérance, quelque chose de véritablement nouveau. Les « sculptures peintes » fonctionnent simultanément comme des peintures et des sculptures, modifiant les termes par lesquels chaque médium est compris. Traversant et retraversant la frontière entre non-figuratif et figuratif, abstrait et narratif, les œuvres défont tranquillement la hiérarchie qui les sépare habituellement.
« Tribu Lee : Attraper le soleil », Victoria Munroe Fine Art, 67 East 80th Street, #2, New York, NY. Prolongé du 6 au 9 janvier 2026.
À propos de l’auteur : Laurie HellerMarcus est un peintre et poète basé à New York.
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