Par Anne Hevener
La couleur n’est qu’un des nombreux éléments de l’art, qui comprend également la ligne, la forme, l’espace, la valeur et la texture, mais la couleur est une attraction principale. Le niveau d’obsession pour la couleur varie d’une personne à l’autre, mais la plupart des artistes, notamment les peintres, se soucient de ses nuances et de ses effets. Pour les artistes présentés dans le dernier numéro de Artiste aquarelliste (Hiver 2026), la précision des couleurs n’est pas l’objectif. Raconter la plus grande histoire de leur travail nécessite un besoin de couleur qui enrichit l’intention de l’artiste.
L’artiste californien Steve Walters tient à ce que ses décisions en matière de couleurs soutiennent le concept d’une peinture. « Lorsqu’elle est utilisée à une intensité plus élevée que ce que j’ai observé, la couleur peut ajouter de l’esprit et des qualités expressives à une peinture », dit-il, ajoutant : « Parfois, « moins c’est plus » peut être bien, mais « plus c’est plus » fonctionne presque toujours mieux pour moi.
Dans ses peintures, l’artiste Dongfeng Li, du Kentucky, rejette les jolies couleurs propres et pures pour quelque chose de plus profond. « J’utilise beaucoup de couleurs neutres dans mes œuvres », dit-il. « J’ai deux philosophies principales qui déterminent la tonalité des couleurs de mes peintures. La première est de ne pas rechercher la « douceur » traditionnelle de l’aquarelle. »
Randall David Tipton, de l’Oregon, a eu la chance de participer à un atelier d’un mois avec le peintre expressionniste abstrait Richard Diebenkorn (1922-1993) au Santa Fe Art Institute. « Au cours d’une séance particulière », raconte Tipton, « nous avons parlé de couleur, et Richard a mentionné qu’il n’aimait pas les couleurs pastel sourdes que j’utilisais à cette époque. Il a montré le bord de ma palette, là où se trouvaient les taches lumineuses de couleur claire, et m’a demandé ce que je préférais regarder : ces couleurs pures ou les gris sombres que je mélangeais. Cela a certainement été utile. »
Pour l’artiste texan Michael Holter, la composition et les effets de texture jouent un rôle important dans ses peintures de sujets industriels, mais la couleur est la clé de la construction du drame et il n’a pas peur de modifier la réalité. «Le jaune et le violet sont complémentaires», explique Holter. « Si vous les utilisez, vous obtiendrez une peinture beaucoup plus dynamique que si vous suivez la photo. »
Un autre connaisseur de couleurs, le Polonais Michał Jasiewicz, a un penchant particulier pour les paysages hivernaux et souligne comment les conditions météorologiques (un ciel couvert par rapport à un ciel ensoleillé et bleu, par exemple) peuvent affecter l’apparence des couleurs dans une scène de neige. Néanmoins, Jasiewicz souligne qu’un peintre peut toujours atteindre le réalisme en utilisant des couleurs totalement interprétatives « tant que les valeurs sont correctes ».
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Découvrez-en davantage sur les méthodes de travail et les pratiques créatives de ces cinq artistes, et bien plus encore, dans le numéro d’hiver 2026 de Artiste aquarelliste magazine, disponible ici.
À propos de l’écrivain
Anne Hevener est rédactrice en chef du Fine Art Group chez Golden Peak Media, travaillant sur le contenu de Revue des Artistes, Artiste aquarelliste, Journal pastel et ArtistsNetwork.com.