Quand j’ai vu pour la première fois Allons-y ensemblele tableau puissant de Terrilynn Dubreuil (l’image principale de cet article), j’ai immédiatement été frappé à la fois par sa tendresse et ses marques brutes et lâches. La pièce fait partie d’une série profondément émouvante que Terrilynn a créée après le décès de sa mère – une œuvre qui explore l’amour, la perte et le lien entre la mère et la fille.
J’ai invité Terrilynn à partager ces peintures et leur histoire parce que je sais combien d’entre nous se tournent vers l’art en période de deuil. Ses réflexions sur la manière dont la peinture l’a aidée à traiter ses émotions – et sur la manière dont elle a transformé sa voix artistique – trouveront un écho auprès de tous ceux qui ont déjà pris un pastel (ou un pinceau) pour donner un sens à ce que les mots ne peuvent parfois pas exprimer.
À propos de Terrilynn Dubreuil
Artiste, conservatrice et mentor de renommée internationale, Terrilynn Dubreuil est titulaire d’un baccalauréat en beaux-arts et enseigne depuis plus de 35 ans dans divers contextes, lors d’événements internationaux comme Pastel en directle Plein Air Convention & Expoet Mastrius à elle Patréon et des cours avec des sociétés de pastel et d’aquarelle du monde entier. Membre du Master Circle de l’IAPS et membre signature de la Pastel Society of America et de la Pastel Society of Maine (où elle est également vice-présidente), les peintures primées de Terrilynn équilibrent réalisme et intensité émotionnelle. Vous pouvez explorer davantage son travail ici.
Et maintenant, voici Terrllynn Dubreuil !
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Une mère, une fille et l’art
Les relations entre mères et filles ne sont pas toujours faciles. Entre ma mère et moi, il y avait certains sujets que nous devions simplement éviter si nous voulions profiter de nos moments ensemble. Comme un morceau de papier pastel poncé, il y avait un côté qui apportait de la joie et l’autre qu’il valait mieux laisser intact.
Le côté fonctionnel pour nous était l’Art. L’art était toujours une joie de discuter. Nous étions tous les deux enseignants et nous partagions beaucoup de choses sur l’expérience de la création. Elle était aquarelliste ; J’étais attiré par les pastels tendres.
Nous avons eu une relation inhabituelle, je m’en rends compte. Elle était dans ma vie bien plus longtemps que beaucoup d’autres n’ont leur mère – elle avait presque 98 ans lorsqu’elle est décédée.
Les graines d’un artiste
Avec le recul, j’étais préadolescente lorsqu’elle a commencé sa propre carrière artistique. Elle a rempli la maison de livres sur l’histoire de l’art, de guides pédagogiques North Light, de magazines d’art – et ceux-ci sont devenus mes premiers professeurs d’art. Nous n’avions pas de programme artistique formel pendant mes années d’école, alors je passais des heures à feuilleter ces pages, à m’imprégner de la couleur, des détails et des histoires des maîtres. À la bibliothèque, je me dirigeais directement vers la section Art, je sortais les plus gros livres que je pouvais trouver et je me perdais dans les « planches » de grands tableaux.
Comme je l’ai dit, je n’ai suivi aucun cours d’art formel avant le lycée, et encore seulement pendant six mois – lorsque ma mère elle-même est devenue professeur d’art temporaire. Elle avait fait pression pour le poste et apporté les fondamentaux et l’expression de soi à notre école, ne serait-ce que pour cette courte période.
Quelques années plus tard, lors de ma première année à l’université, j’ai finalement décidé de me spécialiser en Beaux-Arts. Après cela, les détails de la vie nous ont laissé peu de temps pour partager notre art, même si nous avons tous deux continué à enseigner et à créer. Dans ses dernières années, lorsqu’elle ne pouvait plus peindre, nous regardions les œuvres d’art ensemble, les critiquions et discutions. Elle était fière de mon succès grandissant avec les pastels.
La série « Réflexions »
Après sa mort, je me suis senti poussé à exprimer la complexité de mes émotions en la peignant dans une série d’œuvres que j’ai intitulées Réflexions. Alors que son corps s’effondrait, son esprit restait vif et alerte. Pour moi, la peinture la plus marquante est Ses mains.
J’ai été stupéfait lorsqu’il a reçu la première place au salon IAPS 2023. Mon exaltation rapide et fulgurante s’est effondrée au moment où je me suis surpris à penser : « Je dois le dire à maman! » – et j’ai réalisé qu’elle n’était plus là pour le dire.
Dans la série, j’ai utilisé des marques énergiques et apparemment chaotiques pour décrire le sentiment d’effilochage de la réalité – la destruction de l’être d’une personne lors de sa transition d’une vie à l’autre.
Peindre à partir de la mémoire et de l’émotion
J’ai toujours été fasciné par la peinture des gens – pas seulement leur ressemblance mais quelque chose de plus profond : leurs émotions, leur personnalité, leur mouvement, leur moment dans le temps.
Après avoir perdu ma mère, je n’avais que des photographies, dont beaucoup étaient prises clandestinement au cours de ses dernières années, pour que je puisse conserver nos moments ensemble. Au début, ces photos étaient des souvenirs privés. Mais ensuite j’ai commencé à les peindre, en me concentrant sur ses mains, son visage, sa relation avec son chat bien-aimé. Je me suis retrouvé intuitivement à utiliser ses couleurs préférées, la chaise dans laquelle elle a passé ses dernières années et les marques effilochées qui, pour moi, suggéraient une transition spirituelle entre les mondes.
J’ai commencé chaque pièce en présentant des formes et des valeurs à partir des photos, puis j’ai mis les photos de côté et j’ai peint intuitivement de mémoire. Quelque chose à l’intérieur guidait ma main – un besoin effréné, presque urgent, de créer. Cette liberté m’a aidée à gérer la perte, la distance et l’imperfection complexe de la femme qui était ma mère.
L’histoire entre ses mains
Ses mains étaient aimantes, attentionnées, toujours créatrices – alors je les ai exagérées dans la peinture. Elle a peint des aquarelles primées avec ces mains. Elle cuisinait, nettoyait et prenait soin des autres. Elle a enseigné l’art aux enfants, aux étudiants universitaires et aux élèves privés pendant des années. Elle s’occupait de sa famille, de ses animaux de compagnie, de ses patients à l’hospice, de ses proches – ces mains ont accompli des choses incroyables au cours de ses 97 ans.
À seize ans, elle était dessinatrice à Bath Iron Works dans le Maine, dessinant des coques de navires pendant la Seconde Guerre mondiale. Elle était sur le point de devenir la plus jeune personne à obtenir un brevet de pilote lorsque la tragédie l’a frappé : sa belle-mère a incendié la maison familiale, détruisant tout. Au lieu de cours de pilotage, elle est allée travailler dans un chantier naval, dessinant des plans pour les coques des cuirassés. Assez extraordinaire pour une jeune femme de son époque.
Pendant la pandémie, ses mains étaient à la peau fine, les tendons visibles, mais toujours capables de tenir des cartes à jouer et de terminer des mots croisés quotidiennement. Ils étaient miraculeux.
Peindre à travers le deuil
Ma mère a eu une enfance difficile, qui l’a amenée à rechercher de la structure et de l’ordre dans tout. Ses cheveux étaient son « couronnement de gloire ». Ses vêtements, ses manières et sa maison étaient toujours impeccables – non par vanité, mais pour maintenir son propre sentiment de solidité et de sécurité. Les gens l’aimaient : sa famille, ses amis, ses étudiants, sa communauté.
Au cours de ses dernières années, alors que son corps s’effondrait, elle ne pouvait plus conserver son apparence soignée ni la propreté de sa maison. Je me suis trouvé étrangement fasciné par ce lent délabrement et j’ai voulu l’exprimer dans ma peinture.
Je ne lui aurais jamais montré ces tableaux – oh, elle l’aurait été mortifié – mais comme elle était partie, j’ai pu exprimer ce que je ressentais dans ma perte. Cette honnêteté, cette libération ont été profondément guérissantes.
Un changement dans mon travail
En repensant à mes portraits antérieurs, je constate que mon style était plus précis et contrôlé. Expressif, oui, mais contenu. J’ai peint ma petite-fille – ma muse – à plusieurs reprises, ainsi que des amis ou leurs enfants, avec une précision minutieuse, en essayant de capturer leurs traits. Je me suis même amusé une fois à réaliser un portrait de Danny DeVito pour l’anniversaire de ma fille !
Mais après avoir peint la série de ma mère, tout a changé. Mon travail est devenu plus libre, plus expressif et plus personnel. Je peins maintenant pour moi-même, pas pour l’approbation des autres. J’expérimente avec plus d’audace les techniques et les matériaux, trouvant de la joie dans l’acte de création lui-même.
Nouvelles orientations
Certaines de mes pièces récentes ont adopté un commentaire social subtil. Instablepar exemple, montre une fille s’arrêtant pour regarder un tableau d’Andrew Wyeth dans une galerie. L’horizon pointu et les environs déchiquetés suggèrent le monde précaire dans lequel vivent les jeunes d’aujourd’hui. Elle s’arrête dans son élan capturé par le tableau, tenant sa tresse comme s’il s’agissait d’une corde de sécurité. Ses pieds pointent vers l’avenir mais son esprit est piégé par le sens évasif du tableau de Wyeth.
Cette œuvre a reçu peu d’écho – et pourtant cela ne m’importe plus. Je l’ai peint pour exprimer mon sentiments. Et n’est-ce pas, après tout, à quoi sert l’art ?
Regarder en arrière, regarder en avant
Je reviens à mes premiers héros artistiques – Käthe Kollwitz, Francisco Goya, Honoré Daumier – et à leurs représentations puissantes de l’humanité. Ils me rappellent ce qui me pousse vraiment à peindre.
Dans mon propre travail « sérieux », je demande maintenant : Pourquoi est-ce que je peins ça ? Quoi est-ce que je veux exprimer? Comment puis-je créer des déclarations émotionnelles qui touchent les autres, qui communiquent quelque chose de ressenti universellement ?
Ce n’est pas toujours une tâche facile, mais c’est celle qui compte le plus pour moi maintenant.
Tout cela repose sur l’influence de ma mère : son enseignement, son exemple et l’impulsion finale de son décès, qui m’a poussé à créer un art qui m’aide à traiter mes propres émotions puissantes et alambiquées.
N’est-ce pas l’un des plus grands objectifs de la création artistique ?
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Une histoire si émouvante – et quel bel exemple de la façon dont l’art peut nous aider à surmonter le deuil et à trouver un sens au processus. Je suis reconnaissante à Terrilynn de nous avoir fait confiance pour un voyage aussi personnel et de nous rappeler que même en cas de perte, la créativité peut offrir connexion et guérison.
J’aimerais entendre ce qui a le plus résonné avec toi. Avez-vous déjà peint (ou créé) par perte ou par émotion ? Comment cela a-t-il façonné votre art ?
Veuillez partager vos pensées et vos réflexions dans les commentaires – Terrilynn et moi aimerions les lire.
Jusqu’à la prochaine fois,
~ Gaëlle