Contribué par Wells Chandler / Skin est le plus grand organe du corps, qui abrite plus de quatre millions de pores, chacun un seuil. L’épiderme n’est pas seulement une frontière mais une membrane poreuse entre soi et l’environnement, un œil respirant à travers lequel la conscience rencontre le monde. La toile, comme le corps, est une enveloppe de sensation, tenant un champ de conscience qui ne se termine pas sur ses bords. Erika RaneeLes peintures généreuses et affirmant la vie incarnent cette vaste compréhension. En tant que représentations figuratives, elles représentent l’espace liminal sous la surface de la peau. Dans ses œuvres abstraites, la couleur et le matériau, canalisées par un processus intuitif, indiquent une connaissance primordiale. En tant que portails littéraux et métaphoriques, ses peintures exubérantes suggèrent que plus vous allez, plus vous obtenez.
Le travail de Randee émerge d’une riche lignée d’artistes qui ont utilisé l’abstraction comme stratégie libératrice. Pour les artistes minoritaires et historiquement marginalisés, l’abstraction a souvent servi de refus nécessaire, une résistance au regard d’aplatissement de la représentation, qui réduit trop souvent «l’autre» à des objets de traumatisme ou d’exotisme. L’évolution du travail de Ranee – des premiers engagements de représentation avec la propagande raciste et les stéréotypes oppressifs à ses abstractions actuelles basées sur les processus – reflète un passage de l’image extérieurement à la vérité intérieurement ressentie. Cette inversion du regard, de la surface à la source, dissout le spectacle et les performances, invitant l’intimité avec l’espace lui-même. L’abstraction reprend là où le récit échoue, transmettant la complexité et la multiplicité incompérissables de l’être.
Le cinéma est une influence inattendue dans la pratique de Randee. Un aficionado de Nouvelle vague japonaise film, Randee cite Kaneto Shindo Onibaba (1965) et Hiroshi Teshigahara La femme dans les dunes(1964) comme deux de ses caractéristiques préférées. Dans les deux, l’identité est dépouillée, transformée et finalement remise par une confrontation avec les forces élémentaires. Le sable, la transpiration, le masque et la chair servent d’agents de la révélation karmique, pressant des personnages en contact avec les couches primordiales de la forme sociale sous-jacente. Les protagonistes de chaque film subissent une perte lente qui laisse l’égo éclaté et poreux. Ce processus de mue fait écho aux thèmes de transformation de la Randee et inonditaire. Ses abstractions n’échappent pas à l’identité mais le compostent, de sorte que les débris psychiques personnels et culturels deviennent un terrain fertile pour une nouvelle connaissance de soi. L’ego n’est pas détruit; Il est diffusé et recirculé dans un champ de sensibilisation plus large.
Jack Whittenl’un des mentors de Randee, a également vu l’abstraction non pas comme une évasion de l’identité mais comme un champ quantique à travers lequel la noirceur pouvait prospérer. Dans Wet: sur la peinture, le féminisme et la culture artistique, Mira Schor Explore plus en détail cette fonction, exhortant des artistes minoritaires à s’engager de manière critique et à transformer les traditions qui les excluaient autrefois. Travailler dans la langue de l’abstraction – historiquement, une arène blanche et dominée par les hommes – Randee a invoqué la vision de Schor de la peinture comme critique et auto-inscription dans son émission solo «Mon retour de Saturne» à la galerie Klaus von Nichtssagendinsuffler son travail avec l’expérience vécue tout en documentant l’échec du système médical. Comme le travail de Whitten, Randee est en couches en coulant, en grattant, en obscurcissant et en intégrant pour former un référentiel pour la présence et la postérité.
Aux côtés de Ranee, nous pourrions considérer Sun Radont Afrofuturiste La cosmologie n’offrait pas un rejet du présent mais une évasion de ses contraintes. Les peintures de Randee vibrent avec des violets célestes, des néons veinés et des noirs lumineux. Son utilisation en particulier de violet porte une fréquence distincte, associée au chakra de la couronne, à la royauté, à la spiritualité et au deuil. Dans le même temps, le violet est non spectral, entre le rouge et le bleu, absent du spectre lumineux visible, une construction évoquée par l’œil et le cerveau. Les violets de Randee ondulent, saignent et résonnent sur ses toiles, suggérant à la fois le corporel et le cosmique, la blessure et l’aura, l’ombre et l’atmosphère. La couleur fonctionne comme un moyen de se dérouler, lui permettant d’explorer l’identité non pas comme quelque chose de fixe, historique ou mesurable mais comme un phénomène somatiquement enregistré au-delà de la perception.
Les surfaces de Randee sont des matrices énergiques, activées par le geste, le moyen et l’attention. Shelac, encre, peinture en aérosol et fusible acrylique avec des matériaux trouvés et des formes botaniques. La gomme blanche, en particulier, est un matériau vivant – une sécrétion biologique collectée à l’écorce des arbres où les insectes lacustres ont formé des colonies. Une fois gratté, il est transformé en flocons et vendu sous des formes orange, ambre ou claires, souvent avec ses fabricants d’arthropodes enterrés. Il scelle les matériaux poreux, lie les couches mélangées et crée de la brillance et de la profondeur. Dans le travail de Randee, la gomme blanche évoque l’ectoplasme superlunaire qui relie le somatique aux états intergalactiques, végétaux et entomologiques. La spécificité matérielle de cette membrane gluante suggère la gestation et le travail. En tant que durcisseur et embellissement, il reflète la préservation et la transformation.
Les peintures de Randee ressemblent souvent à des coupes transversales du corps ou du terrain, avec des veines, des racines, des tresses, des trottoirs craqués et des membranes florales. Il y a un sentiment de descente dans l’œuvre – un naufrage dans l’intuition pour permettre aux connaissances de se produire de l’intérieur. C’est là que la pratique de Randee se croit avec ce qui pourrait être appelé une épistémologie basée sur l’âme: une façon de savoir qui transcende la linéarité du récit et puise plutôt dans l’intelligence somatique. Ses gestes improvisés sont des actes d’écoute, rendant l’abstraction une technologie spirituelle. C’est ainsi que le corps parle avant qu’il ne soit nommé, comment l’âme arrive avant que l’histoire ne soit racontée. Randee jette le corps comme un chef d’orchestre d’une révélation en cours, inséparable de la Terre et du Sky. Chaque peinture devient une sorte de cosmogramme, une archive viscérale capturant ce que l’esprit pensant ne peut pas tenir.
« Erika Ranee: Mon retour de Saturne », « Klaus von Nichtssagend Gallery, 87 Franklin Street, rez-de-chaussée, New York, NY. 29 mai au 11 juillet 2025.
À propos de l’auteur: Wells Chandler est un artiste et écrivain basé au Bronx qui explore l’écologie, la communauté, le genre et l’iconographie queer à travers les médiums du crochet, de la broderie, du dessin et du gâteau