Contribué par Mark Wethli / «Edgy» est un mot que nous utilisons couramment pour décrire l’art audacieux ou provocateur. Si quelque chose a été une mesure du succès artistique à l’ère moderne, c’est la mesure dans laquelle le nouvel art repousse les limites de l’œuvre qui a précédé. Le terme est généralement enraciné dans les aspects théoriques et formels de la fabrication de l’art, mais les peintures de Nora Sturges – Maintenant sur la vue à la galerie Sarah Bouchard À Woolwich, Maine – Transportez-nous vers les bords d’un autre type: des images méticuleuses et haute résolution de paysages stériles à la périphérie de la civilisation, peuplés de structures énigmatiques et abandonnées, souvent inachevées. Entièrement imaginaire mais inspiré par des endroits réels près de chez elle à Baltimore, les peintures de Sturges présentent une vision métaphorique de la vie à la grande portée du monde physique et de l’imagination. Ils résonnent également avec impatience le moment précaire où nous nous retrouvons aujourd’hui.
Situé au niveau supérieur d’un bâtiment de deux étages et entouré des bois du Maine, la lumière du jour douce et filtrée de la galerie fait écho aux tons en sourdine dans les peintures elles-mêmes. L’isolement relatif de la galerie, bien que pas aussi extrême, pourrait également nous rappeler les lieux éloignés représentés dans les travaux de Sturges. Cet emplacement offre également un répit bienvenu du bruit ambiant de la vie quotidienne, comparable à la siletude des images elles-mêmes. Bien que leur silence caractéristique et leur silence implicite soient tout aussi évidents dans une galerie de Manhattan, au cœur des bois du Maine, ces qualités sont encore plus apparentes.
Attentionune petite peinture à l’huile sur le panneau, est l’une des nombreuses du spectacle qui présente ce qui semble être un emplacement arctique. Rappelant une station de recherche scientifique, son occupant solitaire – une curieuse plate-forme d’observation – témoignage muet de son environnement impitoyable. La surface de peinture brunie et magnifiquement rendue de la peinture est tout aussi taciturne, même si son atmosphère de crépuscule perpétuel, comme celle de l’hiver arctique, intensifie notre sentiment d’isolement et une sensation instable au-delà de la solitude.
Le monde étrange que les peintures représentent – et manifestent en eux-mêmes comme des objets intimes et lapidaires – est cryptique mais pas sans humour. La structure construite dans Attentionpar exemple, est merveilleusement naïf, comme quelque chose de l’imagination d’un enfant ou du travail d’un inventeur excentrique. Tout aussi facilement, ce pourrait être un accessoire de scène d’un Wes Anderson film qui a erré sur le tournage d’un Bergman ou Tarkovsky Film, désespéré et surpassé par l’horizon lointain.
Le trou de Giotto présente une structure tout aussi intrigante. Il se lit comme une forme en bois pour verser du béton, mais l’absence d’autres équipements ou signes de vie suggère un projet naissant abandonné de nombreuses années auparavant. Les questions sans réponse sont des questions sur la profondeur du trou ou pourquoi il a cette forme particulière. Dans une veine plus légère, cela pourrait être le fondement d’un Frank Gehry Construire, ou ce que vous obtiendrez si vous avez demandé à quelques adolescents de créer une carte 3D des États-Unis en utilisant uniquement du contreplaqué. Contrairement aux environnements représentés dans certaines des autres peintures, l’espace autour de la structure n’est pas nécessairement enneigé et pourrait même passer pour le fond de l’océan.
Vu à travers une lentille différente, cependant, les deux champs de pinceau à motifs de la peinture, au-dessus et en dessous, rappellent le travail de Thomas Nozkowski. Comme son travail, ce champ de pinceau doucement énergique – méthodique et insouciant à la fois, et ponctué par un élément figuratif idiosyncrasique mais plausible – place l’image dans un monde inférieur entre la représentation et l’abstraction. Dans le cas de Sturges, cependant, la spécificité de l’objet central rend la peinture, paradoxalement, encore plus déroutante.
La peinture occidentale s’est tenue à cette intersection avant, bien sûr, notamment dans l’art de la École sienneseque Sturges cite comme une inspiration importante pour son travail. À des points tournants historiques comme ceux-ci – Cezanne La réussite en étant une autre – nous pouvons regarder dans deux directions à la fois. La peinture sienne remonte à la planéité byzantine même si elle attend avec impatience le naturalisme de la Renaissance. Comme les plans d’eau convergents, ces moments de transition produisent une confluence turbulente mais passionnante de styles, de significations et de possibilités dans lesquelles les images peuvent être représentatives, abstraites et symboliques en même temps, une opportunité que Sturges utilise à un effet maximum.
Dans Ville temporairel’une des premières pièces du spectacle, nous pouvons voir des contrastes intrigants avec le travail qui est venu plus tard. Les structures construites dominent l’espace, fixé au niveau des yeux plutôt que dans la perspective surélevée et détachée dans la plupart des autres. Nous ressentons immédiatement un plus grand sens de l’engagement, comme dans un rêve en cours ou la photo d’ouverture d’un épisode de La zone crépusculaire. Des immeubles de grande hauteur à l’horizon font que les structures temporaires relativement fragiles se sentent comme les restes d’un cirque itinérant, tandis que les arbres qui attendent d’être plantés reconnaissent la notion de colonie permanente. Bien que les drapeaux et les fanions soient immobiles pour le moment, la menace d’une tempête qui approche projette un voile sur la scène.
Les stands eux-mêmes semblent représenter une distillation des nécessités les plus fondamentales de la vie – les soins médicaux, dentaires et oculaires, ainsi qu’un magasin d’alimentation – faisant allusion à une civilisation étrangère ou extraterrestre qui considère quoi que ce soit au-delà de celles-ci comme étrangères. Les touffes d’herbe impliquent la transition des prairies au désert ou au désert en passant par les prairies, bien que mon argent soit sur le premier. Comme une grande partie du travail de Sturges, Ville temporaire est une vision amusante de la fragilité de notre existence, quelle que soit de nombreux murs et systèmes que nous érigeons pour nous convaincre le contraire.
Spéciale, tout le travail de ce spectacle a été réalisé entre 2008 et 2015. Depuis lors, les peintures de Sturges, tout en restant similaires en échelle et en facture, sont devenues des compositions plus complexes et semi-abstraites qui sont tout aussi énigmatiques, sinon plus. Comme un message pré-pandemique dans une bouteille, nous pouvons sentir ce travail antérieur de travail atteignant la fracture de la quarantaine – une perspective qui ne fait qu’ajouter à leur sens de la prévision dystopique sublimement et nous invite à passer notre attention en avant ainsi qu’en arrière, et vers l’intérieur ainsi que de l’extérieur.
«Nora Sturges: frontières et bords», « Sarah Bouchard Gallery, 13 Nequasset Pines Road, Woolwich, ME. Jusqu’au 29 juin 2025.
À propos de l’auteur: Mark Wethli est peintre, écrivain et professeur A. Leroy Greason d’art émérite au Bowdoin College.